艾厲森夢遊仙境

　　「買麥當勞進戲院，看麥當勞創辦人的故事，應該很有趣吧？」
　　有這樣想法的人先緩緩，我建議你先檢視一下自己的道德價值觀，比方說看到利益至上而罔顧良心的商人會不會氣憤、見到事業有成後就拋棄家中糟糠妻的男人會不會罵聲連連，如果這些類似情境會讓你恨得咬牙切齒，那麼你還是別買麥當勞了，看完電影之後你會有一陣子不想吃它的。
　　我似乎是把劇情都透漏了，但不打緊，類似的故事情節大家都不陌生，但電影敘事的方式自有它精采的部分，緊湊平實，不平淡也不浮誇，真實之中保留了充分的戲劇性，可看度極佳。
　　電影海報標語寫得非常中肯，「他奪走別人的想法，卻成為全球最大商業帝國」，你幾乎可以從這標語猜出整個故事的走向，一個中年落魄、只出一張嘴的奶昔機器業務員Ray Kroc（麥可基頓 飾演），結識了發明新形態速食餐廳的麥當勞兄弟，興高采烈的加盟經營，接著逐步擴張事業版圖，最後奪走麥當勞兄弟的經營權，創造了麥當勞王國的故事。
　　和《華爾街之狼》有異曲同工之妙，看完之後大致分成兩派，喜歡這部電影、認同Ray的一派；以及討厭Ray的一派。
　　兩者都可以理解，就我個人的觀感而言，雖然並不欣賞Ray的人格，但認同他的野心和遠見是創業不可或缺的成功要件，而幾個乍看十分惡劣的行徑，電影中也給足了線索支撐導致這樣結果的前因，Ray並不是十惡不赦的大壞蛋，只是比起他人觀感更重視自身的實質利益，導致行事手段比較奸巧、不厚道罷了。或者說，這就是真實在商場上打滾的人所需要具備的狼性，這樣具攻擊性、不顧舊情、不怕傷害對手的特質，才能替他們賺到更多的錢。
　　我個人覺得結局的設計很有意思。
　　沿用初始麥當勞設計，並進一步把麥當勞經營權奪為己有的Ray，受邀參加演說，他對著鏡子練習背誦自己的演講稿。
　　然而這份演講稿最關鍵的名言，是他還在當奶昔攪拌機業務員時，用來激勵自己的演講錄音內容，當然是別人說的。
　　「堅持這兩個字什麼都無法取代，
　　才華不能取代，懷才不遇的人都是一個樣；
　　天才不能取代，沒被發掘的天才等於是廢話；
　　教育不能取代，世上充滿受過教育的傻子，光靠毅力跟決心就能左右一切。」
　　於是靠著抄襲創造偉大事業的人，對著鏡子練習抄襲來的演講稿，然後鏡子前的自己，面容逐漸模糊。
　　這或許是導演給麥當勞創辦人的一點批判吧？偷走別人想法的抄襲者，儘管獲得了極大成就，在這之中卻不存在真實的自己。
 

（2016金馬影展官網）
　　好像只有影展才會寫些短文感想，到底是有多忙。
　　或者說，一般電影要寫長篇評論太困難，偶爾有什麼想寫的又被忙碌的行程切割打斷，所以長文一直無法順利誕生吧。
　　也許都是藉口，不說也罷。
　　回歸正題，今年金馬影展預計會看13部電影，以下是我的觀影課表（看到課表實在非常懷念）（不小心暴露年紀），看完之後會附星等評價（1-5星）與簡短心得。
 

　　《海街日記》是是枝裕和的電影，描述一家姊妹情誼的溫馨故事，住在鐮倉的三位姊妹在外遇離家多年的父親葬禮上，與同父異母的中學生妹妹重逢，發現小妹親生母親早已過世，繼母也並未善待她，三姊妹決定接同父異母的四妹與她們同住，展開在一個屋簷下的日子。
　　我覺得這部電影厲害的地方在於，他運用很簡約的對白句子，就可以讓觀眾迅速掌握電影中的角色關係，從看似平靜的淡然中，要你挖掘底下的波濤洶湧。
 

　　《家有洛洛》雖然以愛情親情喜劇為主打賣點，但也許電影的笑點與我的笑穴並不對盤，整部電影看下來倒沒有什麼令我哈哈大笑之處，加上情節太過浮誇夢幻，與現實社會的狀況相差太遠而失去連結，因此沒有什麼感同身受的情感，算是以十分抽離的視角去看一個不怎麼有趣的奇人軼事。
　　電影以媽媽薇奧莉（茱莉蝶兒 飾）、兒子洛洛（文森拉寇斯特 飾）、媽媽的新戀人尚惹內（丹尼伯恩 飾），營造出弔詭的三角關係。
　　薇奧莉寵愛兒子洛洛，洛洛敵視尚惹內，尚惹內愛著薇奧莉。
　　往另一個方向循環來看，薇奧莉愛尚惹內，尚惹內努力想與洛洛打好關係，洛洛對薇奧莉則有著伊底帕斯情結的獨佔欲。
　　角色之間的情感角力是十分單純的，塑造出扁平而非立體的人物個性，即使有洛洛表面當乖孩子私下使壞的雙面性格，也救不了電影的深度。
　　但也許有人就是喜歡看這樣設定單純的劇情也說不定。畢竟所謂刻劃細膩的電影，不是人人都能承載那樣真實的情緒。
　　劇情值得吐槽的地方很多，只說一點，在時尚圈工作的薇奧莉與外型老土的鄉巴佬電腦工程師尚惹內相戀，完全不同生活圈的兩個人，談吐打扮也相去甚遠，內心對尚惹內外型抱持反感的薇奧莉為何選擇和他在一起，居然是因為對方的性能力，這樣赤裸的情慾談吐在電影中比比皆是，我不曉得該視為幽默還是法國人特有的國情，總之這份愛情基礎太過薄弱、沒有說服力。
　　印象最深刻的是有一段洛洛設局讓薇奧莉肆意說出她的不滿，包含種種批評尚惹內的話，沒想到尚惹內在現場聽到了這一切。
　　那些傷人的氣話是可以說過就算了嗎？道歉之後一切就海闊天空可以和好如初？在真實的世界裡，那些氣話才是藏在內心裡不敢說出的真話，明明一直都帶著鄙視的眼光看待對方，卻要說有多愛這個人，我實在是無法理解。
　　最後的結局也是為了結局而結局，大澈大悟的母親所做的決定看似十分理想，卻讓電影中病態的親子關係成為小孩單方的異常、而不是家長的責任。
　　隨後衍生出另一個病態親子關係的循環開端，勉強算是電影裡最有韻味之處。
 

　　看過電影《十年》，也參加了7/9晚上在中山堂舉辦的《十年》焦點對談。
　　說來好笑，只要想起《十年》的某些片段，聽了導演們拍攝《十年》的理念和想法，我就忍不住想哭。
　　不開玩笑，現場頻頻拭淚的人就是我，我也不曉得什麼原因，但就是有股濃濃的悲哀和感慨化作眼淚拼命往外衝。
　　 電影分為五個短篇，《浮瓜》、《冬禪》、《方言》、《自焚者》、《本地蛋》，以十年後的香港做為故事的想像起點，五位導演分別拍出了他們心中一個不想見到的未來，蘊含著對香港未來的擔憂與期許，直白的控訴與抗議各種社會現況，絕對發人省思。
　　《浮瓜》是黑白映像中開啟的黑金政治；《冬禪》用超現實的故事點出對保存消逝事物的擔憂；《方言》藉說不出口的「國語」說出了社會小人物的悲哀；《自焚者》以偽紀錄片的方式道出了栩栩如生的真實；《本地蛋》隱喻了下一代孩子們的生活，你想留給下一代怎麼樣的未來？
　　每個故事都像一道劃在手臂上的刀口，你若遠遠的看，只不過是看到一抹無傷大雅的鮮紅；但當你湊近仔細的看，甚至將那傷口狠狠的挖掘，你會看到許多痛入骨髓的血肉糢糊，那種令人難以承受卻又必須承受的傷痛，擱在那等待著每個人的行動，看是坐視不管任其腐化潰爛，或者積極治療找尋一絲奇蹟。
　　那是個太龐大又太沉重的寓言，所有民主社會的人們都有可能面臨到的極權威脅與壓迫，讓我每每細想就眼淚直流。
 

(台北電影節官網)
　　電影名稱旁邊的星星是觀眾票選單上我撕的星數，評分是一到五顆星，我給出五顆星的電影不見得完美，但的確有某些touch到我的地方，本人認為值得一看。
　　各星數粗劣的判別評價大約是：
　　★ 爛透了
　　★★ 不好看
　　★★★ 蠻普通
　　★★★★ 還不錯
　　★★★★★ 值得看
　　以下不多說開始短評：
《樓下的房客》★★★★★
　　即使不列入影展片單也十分期待上映的一部片，有幸能搶到有映後座談、影人聚集的開幕片，親眼看到任達華本人就已值回票價。
　　除了節奏需要而省略了部分劇情鋪陳，電影還刻意淡化了小說中變態血腥的情節，殘忍的事件和赤裸的性慾都點到為止，避開過於寫實的呈現，留點讓觀眾遐想的空間，同時以美妙悠揚的音樂和鏡頭的光影大幅增加了藝術感，看著變態房東（任達華 飾演）穿針引線的引爆房客的道德防線時，那副沾沾自喜的得意樣，讓我想起了《獵人》裡的西索，將瘋狂變態濃縮於內心，用目空一切的態度觀察欣賞著淪喪，把邪惡賦予美感的設計，使電影的口味更符合一般大眾。
　　最後有個別於小說的改編，稍嫌俗套了點但也有另一種不同的體悟。
　　好孩子不劇透，想看的人推薦你們可以到戲院欣賞，音樂和攝影都是國片中少見的佳作，演員也各司其職，除了李康生飾演的郭力，他一說話我就出戲到雲遊四海。
《暗夜迴路》★★
　　電影大綱只要寫著「劇情發展出乎意料」就會把我騙走，加上之前看的幾部南韓劇情電影都不錯，於是選了這部。
　　我預期的「出乎意料」是比較左腦思維的，各種雜亂不起眼的小細節在最後匯集成一條驚人的結果，或者是劇情在合理範疇下的峰迴路轉，讓人吃驚的鋪陳。
　　但這部電影的「出乎意料」還真的是讓我出乎意料，是右腦思維的，比較像在做夢，前一秒和後一秒的劇情可以重新洗牌，像是你在漫漫長夜裡做了一個又一個的無限夢中夢，沉浸在夢境裡的人自以為有趣，說給別人聽卻只剩沉悶和無聊。
　　最後總算是大概看懂了電影想要說的故事，但這個故事說的實在乏味，讓我在電影途中忍不住也小睡一會，試圖進入夢鄉參透箇中韻味。
《只要我長大》★★★★
　　總括一句是真摯樸實，幾個部落小孩的演技十分自然，飾演老師的小薰更優秀。沒有什麼大起大落的戲劇化發展，多個小事件將部落的生活靈動的呈現出來，有逗趣可愛之處、也有無奈鼻酸之處。
　　衝著它逼出了我許多眼淚，又讓全場笑聲不斷，可見在牽動觀眾的情緒上做得十分出色，也讓你可以透過孩子們天真又樂觀的角度去看待許多社會傷心事，看完之後雖然有淡淡的惆悵，也有淡淡的溫暖。

　　大致上是一個少年為愛創作搖滾樂的故事。
　　以下幾種人適合去看《搖滾青春戀習曲》這部電影：
　　一、喜歡約翰卡尼，或是喜歡他導演的《曾經，愛是唯一》、《曼哈頓戀習曲》的人。
　　二、對於西方搖滾樂略有研究，熟知1980年代西方搖滾樂團的人。
　　三、在學生時期（曾經或現在就是）和朋友嘗試著組團玩音樂的人。
一、約翰卡尼
　　導演約翰卡尼的電影都具備了幾個元素：「城市、音樂、愛情」，假如你看過他前面拍攝的電影，認為這類富有音樂文藝氣息的小清新生活故事很合胃口，那麼《Sing Street》（好啦其實我比較喜歡原文名稱）這部電影也可以列入觀賞名單。
　　比較不同的是前兩部《曾經，愛是唯一》、《曼哈頓戀習曲》比較屬於大人式的戀愛，這部則是講述青少年那種青澀又迷惘的愛，對愛情仍舊是一知半解，一邊努力一邊摸索著前進，最傻也最勇敢的願意奮不顧身去冒險。
　　另外一點是《Sing Street》在演員的選擇上又走回了《曾經，愛是唯一》的路，採用素人演員而非像《曼哈頓戀習曲》中那些已經知名的明星演員，少了卡司的賣點，《Sing Street》在宣傳和推廣上的確會有些吃力，但這可是個青少年的音樂戀愛電影啊，誰想看知名的人生勝利組去演繹你我在學生時代都曾有的狼狽和掙扎？使用素人演員不僅更自然沒有包袱，而且也更容易讓觀眾產生共鳴。
　　或者換個方式說，《搖滾青春戀習曲》讓我哭了，《曼哈頓戀習曲》沒有。
二、西洋復古搖滾樂
　　由於背景設定在1980年代，對於西方音樂沒有涉獵的我，在電影中談論經典樂團的幾個橋段中，難免會有一些無法融入的違和感，但若想成是西洋版《我的少女時代》那樣的電影，就可以大致明白電影打造復古場景所耗費的心力、以及熟知那年代的觀眾看到這樣的內容後所露出的心有所感與會心一笑。
　　根據電影資料所言，電影收錄了怪人合唱團、杜蘭杜蘭合唱團、A-HA合唱團、衝擊合唱團、霍爾與奧茲合唱團、史班杜芭蕾合唱團、節奏合唱團等80年代當紅樂團的歌曲，電影也技巧性的讓主角受到這些搖滾樂的啟發，進而創作類似風格的歌曲，甚至連造型也都加以模仿，這樣明顯的跟風模仿大概只有在學生時代才能夠被原諒的，要進一步邁入商業營利行為鐵定會被狠批猛酸一頓。

　　當初2014年底《曼哈頓戀習曲》上映的時候，周遭常看電影的朋友們拼命推薦，大概是認為這樣具有文藝氣息的小清新電影很適合我，殊不知我內心叛逆，別人愈叫我看我就愈沒有動力看，結果就拖到現在了。
　　整體感想算是很好聽的電影，在處理人物情緒上使用歌詞表達的方式別有一種風味，就像是每個人聽同一首歌曲會產生不同的共鳴，觀眾在這些橋段中所獲得的理解也不盡相同，但只要是心思細膩、或者有過類似經驗的人，大致上可以抓住角色的心境轉折，理解他們的感受和決定。
　　音樂部分最讓我驚豔的是開頭的第一首歌《A Step You Can't Take Back》，關於一個孤獨的人在地下鐵的寂寞哀傷，由女主角Greta（綺拉奈特莉 飾演）彈著吉他演唱了第一次，接著電影將時序往前描述音樂製作人Dan（馬克魯法洛 飾演）剛度過了最糟糕的一天，灰心喪志的他在酒吧聽到了這首歌，吻合心境的音樂打動了他，這時電影的第二次演唱，透過Dan的幻想視角，加入了各種樂器編曲伴奏，你才發現原來經過編曲後的歌曲可以有截然不同的立體和圓滿，搭配不同音軌的強調讓情緒更豐富，而透過這個簡單的橋段，也讓觀眾了解這位音樂製作人的才華。
　　再來直接講女主角Greta的心境轉折吧，畢竟電影裡的歌曲都是關於她的愛情故事，看的過程裡忍不住感到很心疼，大概也是想起了關於自己的人生吧。
　　跟著交往多年的男友Dave（魔力紅主唱 亞當李維 飾演）來到紐約，第一天Dave還表現的像是不能沒有女友的依賴小貓，結果不過一個月的時間他就和唱片公司的助理劈腿了。
　　劈腿之歌是《A Higher Place》，大家都吃驚Greta怎麼好像有讀心術一樣，光聽了男友創作的一首歌就知道他劈腿，但我說其實前一首在錄音室的歌《No One Else Like You》就透露出一點蹊蹺。
　　剛買完咖啡的Greta進來，兩人交談了幾句，其中Dave大讚抹茶的好，接著開始錄《No One Else Like You》這首歌，「I want to stay your friend」（我想當你的朋友）一句歌詞就能品嘗出微妙的突兀，這首歌是給Greta的嗎？好像是又好像不是，然後鏡頭帶到了一個黑色長髮女子，原來早在那時Dave就已經和助理米姆這個日本妹有曖昧情愫。
　　前面讓Greta處在一種莫名的不安，但等到Dave回家和她分享他在洛杉磯獲得靈感而寫的歌《A Higher Place》，「That's the dream to sing, the perfect girl, the perfect song」（夢想著為完美女孩唱一首完美的歌），再看了Dave因心虛而不敢直視她的眼神，她立刻明白這首歌的對象不是自己，Dave​​​​​​​將他對另一個女人的愛慕之意寫進歌中，還得意洋洋的和女友分享自己的傑作，聽在Greta耳裡是一種什麼樣的屈辱？這絕對值得一個火辣辣的巴掌，甚至多賞兩下都不為過。
　　而無預警遭受背叛的人，深愛著對方多年的心還收不回來，於是Greta在酒醉時唱出了《Like A Fool》，並在Dave的手機留言留下了這段演唱，自嘲自己像個傻子一樣的愛著他。
　　「And you have broken every single fuckin' rule / And I have loved you like a fool.」（而你打破了每一條他媽的規則，但我還是像傻子一樣的愛著你）
　　戀愛不就是這樣，深愛著對方，即使他痛踩了你對愛情的底線，理智告訴自己要毅然決然的轉身，頭也不回的離開，卻還是切不斷綿延不絕的思念和情感。
　　在手機留言聽見這首歌的Dave，忽然良心發現想要挽回，打了電話並留下語音訊息給Greta，希望她可以回電。
　　Greta接著和眾人一起錄製了《Tell Me If You Wanna Go Home》這首歌，用甜美的嗓音唱出了被拋棄後的心情，對復合這件事的質疑：
　　「If you're taking me home / Tell me if I'm back on my own」（如果你要帶我回家，告訴我，我是否又將獨自一人？）
　　復合困難的點之一，就是當初造成分手的問題是否還存在。
　　陪著Dave到紐約打拼的Greta，依附在男友的明星光環之下，當Dave為了自己的音樂事業必須各地奔波時，Greta只能一個人守著男友回家，更遑論極具知名度的Dave伴隨而來的大量誘惑，還有前車之鑑的劈腿紀錄，這些層出不窮的大刺卡在Greta心裡，即使復合也會埋下隱憂，種種不安全感和負面情緒總有一天會將她吞噬毀滅。
　　專輯殺青派對之後，看著製作人Dan偕同他的前妻和女兒一同開車離去，Greta的眼神滿是失落，於是內心忽然軟弱了起來，想找個人陪伴而傳訊息給前男友Dave同意見面。
　　這時要提到整部電影最重要的一首歌《Lost Stars》，它在電影裡出現三次。
　　「are we all lost stars / trying to light up the dark?」（是否我們都只是迷失的星星，試著點亮這片黑暗？）
　　其實我不太理解歌詞的意義，單看歌詞實在很不像甜蜜的情歌，有點像是懵懂的少年少女在一片迷茫之中互相依偎著取暖，又有點像對著逝去的事物哀嘆。
　　第一次是Greta在他們交往期間唱的，獻給Dave的聖誕節禮物，這時只有吉他伴奏，是首很文藝清新的抒情歌，儘管對未知徬徨但把握當下相愛的時光，試著努力做些什麼讓未來更美好、生活更有意義。
　　第二次是Greta答應前男友Dave見面後，他們彼此分享分開的時間做的音樂，其中Dave拿出來獻寶的就是經過編曲後的《Lost Stars》，但卻被Greta澆了一桶冷水。
　　Greta說Dave改編後的版本已經失去了這首歌的靈魂，它將原本的抒情曲變成搖滾流行曲，剝奪了纖細的韻味而添加譁眾取寵的元素，喪失了歌曲的原意。
　　Dave邀她去現場看他表演，聽他唱這首歌；Greta要求他不要這樣唱這首歌，希望他用原本的方式唱。
　　第三次就是Dave的現場表演了，這邊的Greta的反應非常耐人尋味。
　　Dave在開場前說他要用原創作者的編曲來唱這首歌，拿了把吉他伴奏，希望她（Greta）能上台加入一起演奏、也希望她能把這首屬於她的歌聽到最後。這段話象徵了邀請復合（上台加入合奏）的意義，即使還沒準備好也希望她能待在原地聽完他的真心表白（聽完整首歌）。
　　然後在某個段落Greta屏息以待，她想知道這首歌是否還能保有純粹的原樣？這個前男友和曾共度的美好戀情是否仍找得回來？結果就在一瞬間，隨著Dave用高亢激昂的假音唱出了改編後的歌曲，台下觀眾瘋狂歡呼，她明白一切都回不去了。
　　比起兩個人私密的回憶和情感，Dave更在乎的是大眾的觀感，將專屬兩人的歌曲包裝成取悅大眾的流行歌，或許由商業角度來看並沒有錯，但對Greta而言這代表自己失去了獨特的地位，於是她也決定割捨掉這段已經變質的愛情，在歌曲還沒演唱完就轉頭離去。
　　​​​​​​​電影在〝愛情〞這個議題上，沒有給出皆大歡喜的結局，或者說當有了劈腿的設定後，整個故事就再也無法有單純的圓滿了吧。
　　所幸音樂是好聽的，創作是令人興奮的，每一首歌都有其獨特意義的存在，構築出電影的情感。
　　至於標題為什麼取「別低估創作者的纖細敏感神經」？只是想說那些欺騙、隱瞞、寶寶XX但是寶寶不說的小把戲，其實都逃不過平素最愛觀察的創作者眼裡。

　　《摩天樓》打著洛基裸體的賣點，整部電影裡其實脫離不了淫亂複雜的性關係，但以大量的性、金錢、資源、暴力所堆砌的《摩天樓》，真正的核心骨幹是階級，是階級造就了這一切的資源不均，是階級讓居民開始對立衝突、互相搶奪資源，資源在這宛如戰爭般的地獄裡被快速消耗，傷亡者血流成河，最後在破碎的殘局邁入下一個新世代。
　　有著原著小說的故事架構為基礎，讓具有強烈風格的班懷特利導演，在電影的呈現有了更深度的意義發揮，而不是像《無限殺人意料之外》（Kill List）、《觀光客出沒，注意！》（Sightseers）等電影，充滿著沒來由的暴力殺戮，血腥淪為沒有足夠理由支撐的變態藝術，造成觀影後留下悵然若失的情緒（簡稱：我到底看了三小）。
　　雖然還是有許多人，尤其是只衝著飾演男主角Dr. Laing的湯姆希德斯頓來的觀眾，在電影結束後留下困惑，但假如將整棟摩天樓想像成社會的縮影，再逐一思考每個人或每件事代表的意義，就會得到自己的解讀。
　　我不敢妄言我的想法一定是正確的，只是對於電影的情節我有自己的解讀，看完最後的感觸是滿滿的諷刺，以下闡述個人見解。
　　摩天樓分為三種階級，高層權貴富人、低層貧窮百姓或勞工，還有中產階級，也就是主角萊恩醫生（Dr. Laing）這類知識份子。
　　住在最頂端的人，也就是創造這棟樓的設計者Royal（傑瑞米艾朗 飾演），可以視為不知民間疾苦的國家元首。
　　他想創造一個理想國度，彷彿由五根手指頭托著美麗湖泊，象徵掌握權力的富足社會，居民們在遵循法治規定之下，各階層的人們互相友愛，和樂融融。
　　可是權力就像湖裡的水，你想牢抓卻失去的愈多，違背社會正義、不公平的規定導致底層居民抗議，高低兩方互不相讓的結果終於讓整個社會體系徹底失控崩解。
　　底層的代表是Wilder（路克伊凡斯 飾演），他有許多令人討厭的缺點，暴躁、激進、對家庭不負責任、成天只顧著帶頭起鬨慫恿其他住戶一起革命反抗。
　　斷電時抗議的最大聲，儘管自己交不出房租；因為上流人士包下游泳池開趴，他拉著無知的孩子們一同佔領游泳池，種種行為讓他成為社區裡的頭痛人物，但看到高層面對這些抗爭的應對處理方式，甚至決定要解決Wilder這號人物時，你才驚訝的發現高層的冷血和荒謬，才了解像Wilder這類「暴民」的瘋狂是為了挖掘出權貴的更瘋狂。
　　高層的幾個菁英，包括Royal的妻子、好像很有名的女演員、和幾個我叫不出名字的男士，為了對抗底層居民的抗議而結盟，彷彿手握大權的元老院，為了鞏固自身權益，開始以強取豪奪的方式壟斷資源，不顧底層居民的死活，兩方衝突開始愈演愈烈。
　　值得一提的是他們儘管有錢有權卻仍想方設法的拖延積欠該付給勞工們的薪水，於是替高層工作的底層居民開始罷工，而這些平日只會享樂的人，生活中沒了幫傭勞工，連清掃家中整潔都變成困難的事，居住環境開始變得髒亂不堪，由此可知即使階級分明，他們對彼此的態度仍然環環相扣，善意禮遇或惡意剝削的對待終將會回歸到自己身上。
　　身為摩天樓的中間份子，Dr. Laing像是個置身事外的不沾鍋，即使上下兩層的居民他都認識並且交流過，也不願成為爭端中的一份子，選擇明哲保身。
　　這個裸體比穿著西裝更好看的人，看似是摩天樓的少數族群，實際上這樣的旁觀者才是整個社會絕大部分的人，想想Laing被關在電梯時鏡中的無數身影，隱射出這些人的數量其實很龐大，他選擇漠視社會中的各種爭端和抗議，拒絕與上層同流合汙、也不願與下層一同抗戰，固執的堅守日復一日的生活習慣，連健身房都倒塌崩壞了還在運動，儘管世界要毀滅了他依舊不動如山，偶爾有一些無關痛癢的憐憫、流一些毫無幫助的眼淚，種種象徵意義讓人不由得覺得很諷刺。
　　可是這樣冷眼旁觀的中間份子，在這場階級鬥爭裡其實起了關鍵性的作用，代表只要他試著去做些什麼，還是有著極大的影響力。
　　他的一個謊言能夠造成上層的人跳樓，為了搶回自己想要的油漆痛揍Wilder，讓其他旁觀者一擁而上加入圍毆，兩個事件裡他分別對上、對下都造成破壞性，但最終他還是選擇安身立命，當個順從制度而非改變制度的人，如同我們絕大部分的人一樣，成為「沉默的多數」。
　　導演獨特的電影風格，抽離許多前因後果的情節與蒙太奇敘事手法，有許多細節大概需要再重複看個一、兩次才能清楚明白，但我的立場大致不變，這是一部諷刺社會縮影的末日電影。
　　除此之外，電影又復古又新潮的畫面設計烘托出華麗的藝術價值，如萬花筒一般絢麗多變，讓殘酷的血腥鏡頭也變成精緻的藝術，映襯出烏托邦《摩天樓》的弔詭。
　　

　　從2002年美國票房黑馬《我的希臘婚禮》，經過14年的時光淬鍊，原班人馬製作與演出的全新續集，《My Big Fat Greek Wedding 2》在台翻譯成《我媽的希臘婚禮》，這片名兼具續集的主軸與更怪咖爆笑的特色，翻譯的可圈可點。
　　而續集的內容也沒讓人失望，除了有許多相同的元素承襲，更加入更多與時俱進的創新設計，讓笑點更多元、劇情更豐富，而且有笑有淚。
　　先說幾個相同的點。
　　第一集的開頭：土菈（妮雅瓦達蘿絲 飾演，同時兼任編劇）和她爸在車內的駕駛座與副駕駛座，爸爸嘮叨碎念叫她該找個希臘男人結婚。
　　第二集的開頭：一樣在車內的駕駛座與副駕駛座，已經成為外公輩分的葛斯（麥可康世坦丁 飾演）一樣嘮叨，提醒土菈的女兒派瑞絲該找個希臘男人結婚。
　　第一集的葛斯：深深以身為希臘人為榮，認為所有東西都是希臘人發明的，所有字的起源都是希臘文，希臘好棒棒。
　　第二集的葛斯：還是一樣希臘好棒棒，有過之而無不及，甚至異想天開想證明自己是亞歷山大大帝的直系後裔。但即使個性一樣頑固古板、充滿大男人主義，透過故事鋪陳，加上年事已高，第二集的葛斯相較起來更加溫暖可愛，甚至在幾個橋段中都逼哭了我的眼淚。
　　第一集和第二集的希臘家族，都一樣熱情奔放，所有大小事都是全家族出動，即使各自成家依然關係緊密，一有問題發生絕對互相扶持幫忙，這些特質看在家庭關係日漸疏離的現代人身上，除了覺得特異好笑之外，也不由得有一絲絲的羨慕。
　　儘管元素類似，故事的內容卻完全不同，實在不得不佩服編劇的功力。
　　第一集的土菈與伊安米勒（約翰寇貝特飾）相戀到結婚，牽涉到的是選擇步入婚姻的家庭層面問題，兩方完全不同種族、信仰與價值觀的家庭，如何消弭長輩的反對和歧視？如何融合兩方差異讓互動更融洽？電影點出了所有戀人到成家該面對的難題。
　　第二集的土菈已成人母，她的孩子也在複製她以前的處境，當派瑞絲說出希望可以選擇離開家鄉到外地讀大學時，土菈說出了她爸葛斯以前也說過的話：「妳為什麼要離開我？」
　　而將重心放在孩子與家庭，無法活出自我的土菈，被嬸嬸點醒「記得妳在成為媽媽之前，是他的女朋友。」因此試著重新打扮自己，與老公約會，重溫浪漫甜蜜。
　　但續集中最有看頭的部分反而已經不是土菈跟伊安了，而是土菈的父母葛斯與瑪麗亞（蕾妮卡珊 飾演），他們無意間發現的婚禮契約並沒有真正成立，也就是法律上他們兩人並非夫妻，葛斯急著想趕快搞定這件事，瑪麗亞卻開始鬧彆扭希望葛斯給她浪漫的求婚和盛大的婚禮，其中引發的笑料不斷，葛斯受挫時可憐兮兮的反應更是生動精彩，這對活寶充分表達出另一種現代人的嚮往，即使白髮蒼蒼、老態龍鍾，依然認定彼此的執子之手之情，十分動人。
　　總結是部溫馨可愛，有笑有淚的電影，非常推薦和家人一同觀賞，老夫老妻一起攜手去看更好。